Winter 2018 Exhibitions Vernissage @ Never Apart, Montreal [18 janvier]

Winter 2018 Exhibitions Vernissage


2192
18
janvier
18:00 - 22:00

 La page de l’événement
Never Apart
7049 Rue Saint-Urbain, Montreal, Quebec H2S 3H4
— english — With great pleasure we announce our Winter 2018 Exhibition Season that will launch with our Vernissage on Thursday January 18th from 6-10pm. Please join us in celebrating the six new exhibits that will inhabit our galleries for the season with artwork by ten international and local multimedia artists!

«Sino(n)-Québécoise?»
Florence Yee 余承佳
Gallery A

Where are you from? Negotiating between alienation and self-acceptance, the exhibition Sino(n)-Québécoise? questions both the misguided idea of belonging into settler society, and our historical erasure from my experience as part of the Cantonese diaspora in so-called Montreal. Sino, the French prefix for China, is not often used, especially not hyphenated next to an identity as exclusive as Québécois. There is no room for “ethnic minorities” in the so-called ethnicity of French-Canadian, but maybe we don’t need it. Our participation in a colonial identity that picks and chooses which ones are the “good minorities” only reinforces the oppression of those do not have those privileges. However, it does not excuse the discrimination that has historically been buried, yet still occurs. From indentured servitude to the hypersexualized exotification of East and South-East Asian femmes, we navigate this city with wary eyes. The exhibition’s combination of classical painting and contemporary kitsch aim to create a third space of existing not as two halves, nor as two wholes, but a singular entity, in constant motion. Fluidity and personal experiences are our weapons against the narrative of a single story.

«Infinite Essence»
Mikael Owunna
Gallery B + C

Infinite Essence is artist Mikael Owunna’s exploration of the connections between the black body, the cosmos, universe and the eternal in the face of a world that works to annihilate the black body every single day.

Through this series he meditates on this balance between the real and surreal. Between what we think we know and who we actually are. There is so much more to us than meets the eye, and it transcends dimensions, space and time.

The origin of the series's name comes from a quote by Chinua Achebe discussing Odinani (traditional Igbo spirituality) and the concept of «chi.» In his exploration of «chi» and seeking to define it for a contemporary audience — Achebe found more questions than answers. But in his exploration, one line in particular stood out: «Or is chi an infinitesimal manifestation of Chukwu’s infinite essence given to each of us separately and uniquely, a single ray from the sun’s boundless radiance?»

Similarly, Owunna has started this series with more questions than answers. But with each click of my camera working to decipher a bit more of the puzzle of the eternal blessings we have as manifestations of something far greater than ourselves and physical beings.

When put into a specific category, the subject might (will) lose its colours and specificity.

«When put into a specific category, the subject might (will) lose its colours and specificity»
Léa Grantham
Theatre

When put into a specific category, the subject might (will) lose its colours and specificity deals with the idea of subjectivation; when does an individual become a subject and how does it affect our interactions and expectations towards this individual.

Léa Grantham first started doing research on the Asperger Syndrome, looking at how a diagnostic is given and through which observations and tests it is assigned to a person; thinking through notions of what defines normality and how a label can change and affect this so-called idea of a norm. She then began to think about the role of the gaze in relation to the existence of labels; how categories molds our expectations towards a labeled individual and how it shapes and prescribes our perceptions and interactions with them. The artist was also doing research on loneliness, thinking about how a label can possibly create isolation and how it can be falsely perceived as a solution to understanding an individual by placing them into a pre-established category.

The work uses different framing devices, exploring how by creating categories or molds that don’t permeate or consider individuality, these devices can shape and affect the common idea of what defines normality. Through interaction with the piece, it also questions who’s being subjectivised and what it means to be looked at.

«Love Sick: How Does One Say I Love You, But You Are Breaking My Heart?»
David Briker, Ronan Boyle
Vitrine

«Humans have used pictures and hieroglyphs since the beginning of time to communicate ideas and emotions.
Through the use of modern technologies, we have once again, started using images and symbols to communicate complicated and nuanced ideas and feelings to one another.

The Love/Sick series of sculptural art is a homage to the beauty and universal appeal of images as tools of communication.

»Lost Love"
Eve Tagny
Upper Gallery D

A story of young love, interrupted by a sudden suicide, constitutes the premise of the book Lost Love. Drawing from a personal experience, tied in a wider context of inherited violence, the series offers a meditation on the brutal after-effects of such loss, the bereavement, and healing process.
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Mourners experience acute grief as a paradox. Glimpses of solace are found in the act of remembering the dead, yet whilst knowing that there is ultimately no solace. The irremediable nature of loss doesn’t allow space for consolation, nor bittersweetness; one must accept to live with the presence of absence. Still, the need to materialize the abstract, yet very real nature of absence is pressing. Thus memories, souvenirs, gestures, rituals, and words become means to do so.

Lost Love presents a journey through grief, filled with an amalgam of acts of remembrance. As both suicide and trauma are disruptions of one's natural cycle, the survivors' challenge is to find ways to restore it.

Hence, the book is not constructed solely as a eulogy for the dead, but rather as a testament for the living — a gesture towards breaking away from the legacy of trauma.

«Traces of Life A journey between Canada and South Asia
जीवन के निशान कनाडा से दक्षिण एशिया की यात्रा»
Shovan Gandhi, Kiran Ambwani, Mariette Raina, Stéphane Desmeules, Mobeen Ansari
Upper Gallery A, B + C

As an anthropologist, I have always been fascinated by the diversity appearing in a certain unity within this world. As an artist, I constantly question the act of perception occurring through the body, shaped by my culture and personal life experiences.

This is my first exhibition, my first time putting together my anthropological work and artistic perspective. I have brought together artists with whom we share the same vision: a concern for human beings, culture, differences and unity within this world. It is a common dialogue, using various formats from artistic and street photography, documentary or fiction, to performance.

Why did I choose South Asia? In exploring that which appears different from us, we discover ourselves. If my studies took me to this part of the world, learning about the ancient scriptures and antique temples and devotional objects, it is also a meeting with the echo of what is essential and tremendously true in every human being.

Traces weave the world, our culture, the memory that inhabit us. Anonymous or known, everyone participates in these traces; this infinite colour that braids the world in which we live. Traces that guide me on a path that comes back to its point of origin.

— français — C’est avec grand plaisir que nous annonçons la nouvelle saison d’expositions Hiver 2018 qui sera lancée suite à notre vernissage le jeudi 18 janvier de 18h à 22h. Soyez des nôtres pour célébrer les six nouvelles expositions qui occuperont nos galeries pour la saison à venir, mettant en vedette dix artistes multimédia d’ici et d’ailleurs!

«Sino(n)-Québécoise?»
Florence Yee 余承佳
Galerie A

D’où viens-tu? Négociant entre l’aliénation et l’acceptation de soi, l’exposition Sino (n) — Québécoise? interroge l’idée malavisée d’appartenir à une société coloniale et notre effacement historique depuis mon expérience en tant que membre de la diaspora cantonaise de Montréal. Sino, le préfixe francophone pour ce qui concerne la Chine, n’est que rarement utilisé et encore moins uni par un trait d’union à une identité aussi exclusive que celle du Québécois. Il n’y a pas de place pour les minorités ethniques dans la supposée ethnicité des Canadiens français, mais il est possible que nous n’en ayons pas besoin. Notre participation dans une identité coloniale qui détermine quelles sont les « bonnes minorités » ne fait que renforcer l’oppression de ceux qui n’ont pas ces privilèges. Toutefois, ceci n’excuse pas pour autant la discrimination qui a non seulement longtemps été passée sous silence, mais n’en reste pas moins fréquente. De l’asservissement à l’exotification hypersexualisée des femmes d’Asie de l’Est et du Sud-Est, nous évoluons dans cette ville avec des yeux méfiants. L’exposition associe la peinture classique au kitsch contemporain afin de créer un troisième espace où exister, ni comme deux moitiés ou deux touts, mais plutôt comme une entité singulière en constant mouvement. La fluidité et les expériences personnelles sont nos armes contre le cadre narratif d’une seule histoire.

«Infinite Essence»
Mikael Owunna
Galeries B + C

Infinite Essence est la réflexion de l’artiste Mikael Owunna sur les liens entre le corps noir, le cosmos, l’univers et l’éternel face à un monde qui, chaque jour, s’efforce d’éradiquer le corps noir.

Par le moyen de cette série, Owunna médite sur l’équilibre qui existe entre le réel et l’irréel; entre ce que nous croyons savoir et qui nous sommes vraiment. Nous sommes beaucoup plus complexes qu’on ne devine et cette réalité transcende les dimensions, le temps et l’espace.

Le titre de la série tire son origine d’une citation de Chinua Achebe qui parle de l’Odinani (pratiques spirituelles des Igbos) et du concept du chi. Dans son exploration du chi et ses tentatives de le définir pour un public contemporain, Achebe a été confronté à plus de questions que de réponses. Une phrase se démarque de sa recherche: « Le chi est-il une manifestation infinitésimale de l’essence infinie de Chukwu, donnée à chacun de nous de manière distincte et unique tel un seul rayon émanant de l’éclat absolu du soleil? »

Dans la même optique, Owunna a également commencé cette série avec plus de questions que de réponses, mais chaque déclic de son appareil photo travaille à mieux déchiffrer le casse-tête des bienfaits éternels que nous recevons telle la manifestation de quelque chose qui va bien au-delà de nous-mêmes et des êtres corporels.

When put into a specific category, the subject might (will) lose its colours and specificity.

«When put into a specific category, the subject might (will) lose its colours and specificity»
Léa Grantham
Salle de projection

«When put into a specific category, the subject might (will) lose its colours and specificity» porte sur le sujet de la subjectivation; à quel moment l’individu devient-il sujet et de quelle manière nos attentes et nos échanges face à cet individu en sont-elles affectées.

Léa Grantham a d’abord entrepris des recherches sur le syndrome d’Asperger en étudiant les méthodes d’observation et d’examens qui mènent à un tel diagnostic chez un individu, la question de normalité et la façon dont une étiquette peut avoir un effet sur cette soi-disant idée de normalité… Elle s’est penchée sur le rôle du regard en relation avec l’existence d’étiquettes; la manière dont les catégories façonnent nos attentes vis-à-vis d’un individu étiqueté et définissent nos perceptions et échanges avec cette personne. Grantham a étudié également la solitude en réfléchissant à comment une étiquette peut à la fois créer un isolement et être considérée à tort comme un moyen de comprendre un individu en le plaçant dans une catégorie préétablie.

Cette œuvre utilise différents cadres narratifs afin d’explorer comment la création de catégories ou de moules qui ne tiennent pas compte de l’individualité permet justement à ces cadres de façonner et d’influencer l’idée commune de la normalité. Cette œuvre incite également à se demander qui est l’objet de subjectivisation et ce que signifie d’être examiné du regard.

« Love Sick: Comment dire “Je t’aime, mais tu me brises le coeur”? »
David Briker, Ronan Boyle
Vitrine

L’être humain a utilisé des images et des hiéroglyphes depuis la nuit des temps pour communiquer des idées et des sentiments.
À l’aide de technologies modernes, nous utilisons à nouveau des images et des symboles afin de transmettre à autrui des idées et des sentiments nuancés et complexes.
La série d’art sculptural The Love/Sick rend hommage à la beauté et l’attrait universel d’images comme outils de communication.

En tant qu’êtres humains, nous partageons une compréhension visuelle commune qui surmonte tous les obstacles culturels et linguistiques.”

«Lost Love»
Eve Tagny
Galerie supérieure D

La prémisse du livre Lost Love est l'histoire d'un amour naissant, abruptement interrompu par le suicide d'un des partenaires. À partir de cette expérience personnelle ancrée dans un contexte de violence sociale héritée, cette oeuvre offre une méditation sur les effets d'une telle perte, ainsi que sur le processus de deuil et de guérison qui en découle.
L'expérience du deuil aigu est un paradoxe. On cherche des bribes de réconfort dans l'acte de commémorer les morts, tout en sachant qu'ultimement, il ne peut y avoir de réel réconfort. La nature irrémédiable de la perte ne laisse place à aucune consolation ni sentiment doux-amer; nul autre choix que d'apprendre à vivre avec la permanence de l'absence. Le besoin de matérialiser sa nature abstraite, mais néanmoins réelle, se fait pressent. Les souvenirs, objets, gestes, rituels et mots deviennent alors des moyens pour y parvenir.
Lost Love est le résultat d'un parcours de deuil, empli d'un amalgame d'actes de commémoration d'un amour disparu. Le suicide et le trauma étant des ruptures du cycle naturel, le défi des survivants est de trouver des voies de résilience afin de le restaurer.
Plus qu'une élégie pour les morts, Love Lost est un testament pour ceux qui restent, un geste pour contrer le legs du trauma intergénérationnel.

«Traces de Vie Un voyage du Canada à l’Asie du Sud
जीवन के निशान कनाडा से दक्षिण एशिया की यात्रा»
Shovan Gandhi, Kiran Ambwani, Mariette Raina, Stéphane Desmeules, Mobeen Ansari
Galeries supérieures A, B + C

En tant qu'anthropologue, j'ai toujours été fascinée par la diversité apparaissant dans une certaine unité au sein de ce monde. En tant qu'artiste, je questionne constamment l'acte de perception tel qu’il se manifeste à travers le corps, façonné par ma culture et mes expériences de vie personnelles.

C'est ma première exposition, la première fois que je réunis mon travail anthropologique et ma perspective artistique. Je rassemble ici des artistes avec qui nous partageons la même vision: une préoccupation pour l’être humain, la culture, les différences et l'unité qui habitent le monde. C'est un dialogue commun qui utilise différents formats. De la photographie artistique à celle de rue, de la mise en scène, du documentaire ou de la fiction à la performance.

Pourquoi avoir choisi l’Asie du Sud? Parce que c’est face à ce qui est différent de nous que l’on se découvre. Si mes études m’ont emmenée dans cette partie du monde pour étudier les textes anciens, des temples, les antiquités et les objets dévotionnels, c’est aussi une rencontre avec cet écho de ce qui est essentiel et profondément vrai dans chaque être humain.

Les traces tissent le monde, notre culture, la mémoire qui nous habitent. Anonyme ou connu, chacun participe à ces traces, à cette coloration infinie qui tresse le monde dans lequel nous vivons. Les traces qui me guident sur un chemin qui revient à son point d’origine.

with/avec DJ J. Ellise Barbara
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